攝影與抽象之間的關系可以追溯到這門藝術形式的黎明時期。早期的藍印法、Man Ray的“光線攝影”、László Moholy-Nagy的光影照片、Aaron Siskind的微距攝影，以及無數其他作品都是非常有名的例子。如今，抽象攝影的趨勢在全球范圍內持續發展；影像創作者們正在創作結合了各種工藝和色彩運用的作品，常常融合了我們從繪畫中期待的美學特點。
在這個圖片可以隨處拍攝和分享的世界里,這些藝術家開始接受攝影更復雜的方面,這是可以理解的——這些方面不適合僅存在于手機里。相反,這些圖像需要大量的過程,無論是物理還是概念上的層層疊加,以及復雜性。在這里,我們來看看一些激動人心的當代攝影師,他們使用這種媒介進行抽象創作,擁抱自然世界、建筑等各個領域。
Liz Nielsen
美國藝術家Liz Nielsen的作品乍看之下令人聯想到海玻璃和寶石,具有來自自然和抽象形狀的大膽的寶石色調。Nielsen自己稱其為光的繪畫,稱自己為“一位以光作為媒介的攝影師”。她的圖像實際上不是用相機拍攝的,而是“在模擬彩色暗房中暴露光敏紙,并通過傳統的彩色化學方法加工”,她寫道。
她追隨Man Ray、Moholy-Nagy等人的腳步,通過大膽的色彩實驗給攝影紙打印帶來了新視角。對于底片,她制作明膠疊加,然后將其投影到負的色素紙上——她精彩的調色板就是從這里來的,當顏色在沖洗過程中被反轉時。她對物理、色彩理論、哲學及光進出暗房的運動都很好奇并受到啟發,這些視覺詮釋都呈現在她的作品中。
Bryan Graf
美國藝術家Bryan Graf在緬因州和新澤西州的環境中穿行，創作出自然和空間的攝影操控作品，以探討優雅與破壞的雙重主題。在他的圖像中有葉子和光的投影、屏幕和光影照片，這一切都引發了關于地點及其意義的問題。
有時，他通過有意暴露底片來創作圖像；其他時候則通過數字操控；有時也會同時運用兩種方式。這既是對經典另類攝影工藝的探索，也是對新事物的擁抱。Graf曾表示，在所有這些中，“地點體驗、它對我們的情感影響，以及影響風景呈現的聯想性解讀之間的積極張力，推動著我的創作。”他對環境的思考也作為生長的隱喻，既字面上的生長，也是比喻性的成長。他認為，他的創作實踐是“對現實多重性的光學研究”。
Niko Luoma
芬蘭出生的藝術家Niko Luoma在他的職業生涯中一直在嘗試攝影的許多另類工藝，無論是多重曝光、光線操控、拼貼還是其他方法。與此同時，他既對攝影歷史進行探討，又向攝影歷史致敬。
例如，在他的攝影系列《適應》中，他用自己的實驗風格重新演繹了藝術史上的經典作品。在他的作品中，馬塞爾·杜尚的《下樓梯的裸女》（1912年），變成了一個色彩斑斕的幾何慶典圖像；大衛·霍克尼的《彼得爬出尼克的游泳》（1966年），則變成了一個抽象的形狀和顏色的拼貼，呼應著原作。
Luoma最近的系列作品《當下的幻覺》使用了單張底片捕捉到的多重曝光的彩色光線，這些光線交織在一起，但故意沒有明確的起點和終點。他寫道：“沒有一種方式可以對這些圖片有一個固定的感知，因為它們可以從任何地方開始，沒有終點。這些是基于系統的實驗，底片成為了其自身實現的記錄。”
Christine Wilkinson
“一切都始于一張照片或照片的碎片——可能是汽車的前燈，或是陽光透過窗戶射入，”英國藝術家Christine Wilkinson在她的作品中寫道。然后，她對圖像進行數字化操控，使其模糊，“將圖像簡化為隨機的像素，以用作原材料。”她首先關注的是過程——持續的簡化如何創造出一種新的形式。
每張圖像都經歷了多種操控和媒介，無論是掃描儀、數碼相機、攝影軟件，甚至是一支鉛筆。即便經過多輪操作，這些作品在抽象和極簡主義方面仍然顯得引人注目和大膽：大片的色彩和色調變成了引人入勝的、神秘的虛空。她的作品處于繪畫與攝影的交匯點上，涉及對形狀、光線和色彩的抽象實驗。“光變成了形式，”她寫道。“形式無實質，只存在為顏色和光的瞬間。”
Pedro Correa
按照他自己的描述，作為一名畫家的子女，Pedro Correa在攝影中融入了對印象派的欣賞和靈感。實際上，在他的圖像中經常出現繪畫般的美學，這些圖像有意地沒有經過數字化處理。相反，它們純粹地來自鏡頭之后，既是決定性的瞬間，又是另一種焦點。
Correa對城市生活特別感興趣，他在整個作品中尋求找到“從城市景觀中散發出來的微妙人類存在”，一度寫道，這既是克勞德·莫奈又是李·弗里德蘭德。窗戶上的劃痕、屏幕或雨滴以其獨特的方式成為他的鏡頭的一部分，在畫布上成為一種筆觸。
作為攝影師，捕捉瞬間對Correa來說同樣重要，與其所表達的情感一樣，這種質量讓他想起了印象派畫家。在攻讀圖像處理博士學位時，Correa學到了，他寫道：“通過從圖像中去除理性信息，實際上可以減弱大腦活動，增強觀眾的情感（從而創造出與藝術品更加個人的體驗）。”這一理念至今仍然激發著他的創作。
Fabiola Menchelli
墨西哥藝術家Fabiola Menchelli將她的藝術實踐專注于攝影抽象領域，不斷測試這種媒介的可能性和邊界。她寫道，這項工作“尋求通過攝影來拓展觀察的方式，其故事、過程以及其對現實的引力”。
在最近的系列作品《黑暗運動》中，Menchelli將她的光影攝影作品擴展為雕塑作品，將圖像印刷在不銹鋼上，然后在暗房中將其彎曲，“將攝影紙折疊并暴露于各種彩色濾光片，有時在顯影液中逆轉印象，將圖像推向極限，”她后來說道。這個系列完全是即興的，意在偏離關于圖像應該是什么的想法，甚至是她自己創作的抽象圖像。它保留了她獨特的實驗性色彩和形式，不斷挑戰我們關于攝影的理念以及圖像在物理、化學、結構上可能變成的前提。
Galina Kurlat
俄羅斯出生的藝術家Galina Kurlat在她的職業生涯中常常借助歷史性攝影工藝來創作作品。她的實踐有時存在于更具體的肖像世界中，但也擁抱抽象。Kurlat的作品始終與“身份、親密和不確定性”的概念有關，她解釋道，無論是直接記錄這些主題還是創造出強烈的不祥跡象。這涵蓋了從受損的拍立得照片到濕銀板印刷等各種媒介。
在她最近的作品中，一個名為《遺跡》的系列中，Kurlat使用了自己的唾液、乳汁、呼吸或血液，以及傳統的攝影化學品，制作抽象的光影照片。她在作品中寫道：“女性的形象受到社會壓力和物化的沖擊，挑戰了常規的表現，出現在攝影紙上的是創作的痕跡和表面擾動。”
在梅子、粉色、橙色、桃紅色、黃色和白色的陰影中，這個系列延續了她將自己與作品聯系起來的承諾，拓展了攝影的邊界，沉醉其中的弱點和脆弱性。
Paul Snell
澳大利亞藝術家Paul Snell的作品充滿了充沛的色彩，引人注目的色調吸引著觀眾的目光。但他的作品遠不止于鮮艷的色彩。這些作品由圖像制作而成，然后通過數字化處理，從而凝聚成顏色和形式，正如Snell所說，它們成為了全新的現實，利用其原始圖像創造出完全不同的體驗。
對Snell而言，這種體驗可以存在于電動的同心圓、像日落一樣的流動，或是一個飽和度高的場景。它既涉及連接與分離，又關乎構建與解構。“這項工作探討了攝影生產模式的轉變，以及數據的操控和利用，以創造新的視覺形式，”Snell寫道。“通過通過具體顏色關系的研究，以有節奏的重復、配對、疊加、逆轉和序列化的方式，我尋求對物理對象的感性理解。”
Teresa K. Morrison
美國藝術家Teresa K. Morrison創作了一系列無鏡頭的攝影作品，使用蛋清印相法或稱為化學圖樣的光影圖像。Morrison利用野外發現的天然物體，如雜草、草藥、樹葉和蜂蜜，將這些物體浸泡在顯影液或定影液中，然后將它們放置在暗房的感光紙上。有趣的是，這些紙張的年齡在30到100年之間，Morrison表示她對其中的異常和意外充滿了好奇和興奮：“我認為這是與紙張的合作，”她說道。
這些主題，如酢漿草、黑麥草、苦萵苣和蒲公英，通常在她的花園里發現。在紙張上，它們呈現出各種深淺不一的色調，這些色調受到紙張的年齡、成分和對過程的反應的影響。“愿我們每個人都能反抗工廠的設定和貶值的忽視，找到未曾想象的目的和表達，”她在新年的Instagram上寫道——這是一種具有長期影響的攝影哲學，可以這么說。
Francisco Tavoni
在Francisco Tavoni的作品中，真實與想象之間展開了一場舞蹈，光線與結構、色彩與熱量之間交織在一起。這位委內瑞拉出生的藝術家目前居住在澳大利亞，按照他自己的描述，他“將攝影作為一種方式，以共同理解情感的力量”。這是對家園、個體之間、自我內部的情感。
他最終追求的是真實性，在這種探索性的尋找中，他使用人體和織物創作圖像，隱藏其身份，以在棉布上打印的彩色成像創造出一個更為團結的人類形象。每張圖像都使用另類工藝，“有色的透鏡濾光片、帶有圖案的透明絲綢層和有色的閃光燈，”Tavoni曾說過。
他與作品的關系在一定程度上反映了他過去在時尚行業工作的經歷，他在那里開始了解色彩和織物之間的強大關系，以及后來在夜店里跳舞的生活中對光的理解。
Luuk de Haan
荷蘭攝影藝術家Luuk de Haan創作了獨一無二的作品，確切地說，每一張他的印刷品都只有一張存在，這些作品處于幾何和幻想的交匯點上。正如作家Derek Horton所寫，de Haan的圖像“是它們自己生成的文檔，而不是攝影之外世界的記錄”。
de Haan的每一張圖像都重新探索了模擬攝影的另類工藝和數字操控，同時使用硬件和軟件：他用模擬相機拍攝他在屏幕上創建的數字結構。作為作曲家和藝術家，de Haan受到了Ellsworth Kelly等人的影響，當然還有Steve Reich，始終培養著極簡主義的精神和存在。由此產生的作品既充滿活力又流暢，神秘而復雜，正如作家Vince Aletti曾在《紐約客》雜志中寫道的那樣，“介于現在和消失之間”。
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