澳大利亞出生、現居洛杉磯的攝影師George Byrne創作大型建筑和景觀攝影作品，這些作品深受現代主義繪畫的精神啟發，展現了卓越的技術成就，最重要的是，它們是成功的藝術作品。
他的新系列《Synthetica》，討論的話題包括Byrne的美學風格、攝影方法以及在人工智能時代，人們對他作品的看法如何變化。
人工智能還是非人工智能？
Byrne的作品絕非AI生成，但他的風格和題材總是徘徊在超現實主義的邊緣，提供了一瞥看似不真實的世界。
藝術總是在觀眾的背景下被觀看和欣賞，而這種觀點是不斷變化的。有趣的是，考慮到人們對AI、技術以及藝術創作方式的看法如何變化，這可能會改變他們對Byrne作品的理解。
密西西比州比洛克西，2024 年
卡西諾，內華達州，2024 年
“回想起來，Synthetica展覽的時機真的非常巧合。當時我正在工作室里辛勤創作，而這時AI攝影出現了。我當時心想，‘我們該怎么應對這個！？’”Byrne說，“那時候這項技術還處于測試階段，但已經完全震撼了我們。從那時起，我一直密切關注它，覺得非常有趣。”
Byrne認為，AI生成的藝術在概念階段可以幫助更快、更輕松地將想法形成一些雛形。“但使用像Midjourney這樣的工具，通過提示來生成照片，對我來說毫無意義。”
“我真的不介意人們認為我的作品是AI生成的。”他補充道，“我的每張照片都投入了數百小時的工作，如果有人感興趣，我很樂意展示這些過程。不過，實際上，即使我使用了AI，我也不認為這有何重要，我也不評判那些使用AI的人。”
灰色柵欄組合，2024 年
汽車經銷商，內華達州，2024 年
“所有藝術家所做的一切，都是利用眼前的工具。目前我對AI技術的理解是，它是一個出色的模仿者、匯集者和問題解決者。但它遠遠無法與人類的動機競爭，因為它沒有動機。它沒有壽命，沒有死亡，沒有感官體驗——對我來說，這才是藝術的來源。”攝影師解釋道，“不過，一兩年后再來問我，也許一切都會改變。”
對于AI技術的普及，Byrne表示他心情復雜，但他擔心那些工作會因此受到威脅的人。他還認為，“讓硅谷的300個極客在沒有任何咨詢的情況下發布一項改變人類文明方向的技術，這簡直是瘋狂的。”
“我們有要求過這個嗎？”他補充道，“不過，我想大多數技術飛躍都是這樣運作的。它們就這么發生了。然后我們調整適應，生活繼續前進。”
河粉餐廳，銀湖，2024 年
彩虹墻，2024年
Synthetica：創造現實世界的夢境
乍一看，Byrne的最新系列作品Synthetic與他之前的一些作品，如2021年的Inner Visions和2017年的Color Field等，十分相似，但攝影師指出，它們之間在美學和風格上有顯著的差異。
雖然它們都有一個精神上的貫穿線，但Byrne采用了更大規模的規劃和合成手法，將他的風景變成夢幻景觀，這些被攝影師稱為“實際上并不存在的弗蘭肯斯坦式風景”。
酒類商店，尤卡谷，2024 年
噴泉大道，2024
與Byrne早期系列作品的創作過程相比，這是一種明顯的變化。早期的作品主要由單幅圖像組成，通過后期處理進行微妙的改變。
在構圖上的一些差異背后也有概念上的轉變。Byrne的早期作品至少在某種程度上是為了社交媒體如Instagram而創作的。這些圖像需要在較小的尺度上發揮作用，因此更多地依賴于大面積鮮艷的色塊。
到了2021年，在創作Innervisions時，Byrne開始逐漸不再考慮Instagram的展示效果。他提到了Instagram作為平臺的變化以及攝影師Gregory Crewdson對他的影響。
沙漠拼貼畫，2024 年
集合，邁阿密，2024 年
“Crewdson的照片是為了親眼觀賞而創作的，而不是在屏幕上觀看。他在作品中植入了詳細的象征意義，這種史詩般的效果在3×3英寸的背光屏幕上無法很好地展現。”Byrne解釋道。
仔細觀察風格和方法的長期轉變，Byrne提到了Innervisions中的一幅名為《Black Monolith, 2021》的作品。
“這幅作品為我在兩年后創作Synthetica奠定了基礎。”
除了創作不需要在智能手機上理解的圖像外，Synthetica中還有敘事上的不同。
7-11，棕櫚泉，2024 年
洛杉磯市中心主街，2024 年
“Synthetica是我第一次將視野擴展到整個美國，而不僅僅是加利福尼亞和邁阿密。我想利用廣泛的題材來看看是否能實現整體的協調統一。”拜恩說，“我覺得這種方法也能更廣泛地反映美國項目，把不同的線索縫合成一個復雜的整體。那些圖像關乎層次、時間和綜合。”
近距離觀察Byrne攝影作品的創作過程
對大多數觀眾來說，欣賞和享受Byrne的作品很容易，每幅圖像都有多種理解方式，這取決于觀眾的視角和經歷。然而，對于攝影師而言，Byrne的作品引發了更多的思考：他是如何做到的？
“經過多年的展覽，我發現有兩大主要群體：一是那些拋開對攝影的先入之見，單純把這些圖像當作繪畫來體驗的人；二是那些真正想弄清楚到底發生了什么，什么是真實的，什么是不真實的，圖像是如何制作的等等。”Byrne說，“這兩種反應都是非常合理的。”
“就我個人而言，我更傾向于后者。當我在博物館看到安德烈亞斯·古爾斯基或格雷戈里·克魯德森的巨幅照片時，我往往會分析每一寸細節，試圖弄清它們是如何制作的。然后，在失敗之后，我才會花時間來體驗這件藝術作品。我認為大多數攝影師都是這樣的，這種習慣很難改變。”
Byrne的攝影創作過程會根據具體創作內容而有所不同。
首先是主要的拍攝階段，在此期間，Byrne會外出拍攝大量新照片。
Synthetica，2024 年
紀念碑，2024 年
然后他會“把自己鎖在工作室里三到六個月，開始工作。”
“第一步是試圖熟悉新拍攝的圖像，這個過程可能需要幾周時間。然后我尋找聯系和線索。我讀很多書，也看很多其他藝術家的作品。我努力弄清自己想表達什么，并思考新的方式來處理正在做的事情。我通常會有50到60個想法或‘草圖’，然后在幾周或幾個月的時間里，將其精簡到15到20個。”
紅人，邁阿密，2024 年
粉色凱迪拉克，2024 年
一旦Byrne確定了基于拍攝圖像的想法和草圖，他會用高性能的滾筒掃描儀重新掃描所有選定的底片。然后，他與工作室經理丹尼·杜阿爾特（Danny Duarte）合作，將所有元素組合成最終的合成圖像。
“丹尼和我在圖像拼接方面已經合作了五年多，他在后期制作上的出色才華是我作品效果如此出色的重要原因之一；我們合作得很好。”Byrne解釋道。
天鵝之歌，2024年
壁畫，威尼斯，2024 年
從黑白攝影到彩色攝影的轉變源于機遇和承諾
盡管Byrne的大部分作品集都是彩色的，但他最初的系列作品卻是由更傳統的黑白風景照片組成的，這與他其余的作品形成了鮮明對比。
“推動我走到今天的重要原因之一是成為全職藝術家的商業現實。”Byrne解釋道，“2014年，當我第一次開始出售我在Instagram上發布的彩色作品時，我還在一家咖啡館工作。當時我非常拮據，是一個苦苦掙扎的音樂人，雖然我熱愛攝影，但成為一名藝術家并不是我認為可能的事情。”
粉紅毛巾，馬里布，2024 年
代托納比奇，2024 年
黃墻，2024年
然而，隨著人們對Byrne作品興趣的增長，他的銷售額增加，他也獲得了更多展示作品的機會。
“我很快放下了其他一切，全力以赴地抓住正在發生的一切機會。”他回憶道。
“當時我37、38歲，清楚地知道取得突破是多么困難。我非常有動力。”
幫助Byrne獲得“突破”的正是他的彩色作品，因此他加倍努力投入到彩色攝影中。
珠寶，巴拿馬城海灘，2024 年
1709 Naud 街，2024 年
“我意識到，如果我要將這些彩色作品帶到我想要的地方——博物館，我需要認真對待并提升我的工作，使用更大的相機，真正沉浸在這門技藝中。我在技術和理論上都有很多需要學習的地方。我還需要明確我的作品的主題和我想表達的內容——這時候，我的五年藝術學校學習派上了用場！”
“為了掌握彩色攝影的技巧，我需要清除一切干擾并專注于此，因此我的黑白作品暫時擱置了。”
然而，Byrne表示，他希望能重新回到黑白攝影，并且相信“時機成熟時”一定會這樣做。
話雖如此，Synthetica中的一幅圖像呼應了拜恩早期的單色風景作品。這幅名為《Jenny Lake Wyoming, 2024》的圖像雖然是彩色照片，但非常像拜恩在艱難維持生計時所創作的傳統風景作品。
珍妮湖，懷俄明州，2024 年
“把《Jenny Lake》的圖像納入展覽對我來說也是一個謎。這是我在2022年黃石國家公園公路旅行中拍攝的一大堆風景照之一。我非常喜歡這些風景，有點沮喪的是它們不太適合整體風格，所以我想‘算了’。我被這座壯麗的山脈深深吸引，無法忘懷這張照片。所以，我對它進行了一些修改，決定以燈箱的形式展出。”
Byrne說，Synthetica部分是關于離別、實驗，以及大規模、高分辨率圖像的，因此這張圖像也適合其中。
“山脈多年來一直是我作品中的重要元素，所以展示這座山脈的印象作為一種致敬的方式開始變得合理。就像音樂家可能會讓伴唱歌手有機會站到前面唱一首歌一樣。我不確定它是否與其他圖像配合得很好，但我很享受這個過程。”
進化，2024年
大規模構圖與宏大目標
“Synthetica中的作品比以往的作品更注重尺度。這些圖像中包含了無數的視覺誤導，這些是你體驗它們的關鍵。”Byrne解釋道。
“在這個意義上，我借鑒了立體主義的一個核心原則：將多種對立的視角縫合在一起，并作為一個整體呈現給觀眾。結果在于心靈中的一種裂變，其中構圖的和諧與形式安排的不和諧相互對抗。”
Byrne明白，無論他的目標是什么，觀眾可能會在他的作品中找到不同的意義。
紅色柵欄，2024年
《四面墻》，2024 年
例如，他的一位朋友最近收藏了一幅《Black Monolith 2021》的印刷品，因為這幅作品以Byrne從未考慮或想到的方式表達了她對洛杉磯的感受和經歷。
“這是我所能希望得到的最高贊譽！我只希望這些作品能激勵人們，讓他們想起空氣中彌漫的魔力。我希望我的作品能讓人們感覺良好。”
精選文章：